Nel 1859, rielaborando una serie di articoli apparsi sull’Armonia di Firenze, Abramo Basevi diede alla luce quella che doveva restare l’unica opera analitica dell’Ottocento dedicata alle opere di Verdi (fino all’Aroldo). Il volume, passato all’epoca quasi inosservato, ha acquistato importanza in tempi recenti soprattutto ad opera della musicologia di scuola anglosassone. È diventato il punto di riferimento per tutti quegli studiosi che vogliano esaminare le opere di Verdi alla luce del pensiero dell’epoca.
Basevi, autentico pioniere, non si limitò ad utilizzare la terminologia d’uso corrente, ma cercò di gettare le basi per un approccio analitico di tipi descrittivo il più possibile rigoroso e completo. Ne è scaturito un saggio che, ancora oggi mantiene intatto tutto il suo fascino e permette anche al semplice appassionato di penetrare nel mondo operistico verdiano con il sapore dell’approccio storiografico.
Rivolto anzitutto agli studenti di composizione, canto e musicologia, questo libro vuole fornire gli strumenti tecnici e di conoscenza di un testo poetico, anche nella prospettiva di un eventuale rapporto con la musica.
I tre glossari (di metrica, prosodia e linguistica; delle principali figure retoriche poetiche e musicali; delle principali forme poetiche e poetico-musicali) hanno scopi non soltanto informativi, ma anche di sistemazione e di riproposta. Il terzo glossario in particolare è stato redatto in un’ottica di stretto rapporto con la musica, in ambito italiano, con qualche sconfinamento el Lied e nella poesia latina medievale.
La seconda edizione, riveduta e ampliata, è arricchita in Appendice da un saggio sul madrigale Ecco mormorar l’onde di Monteverdi.
Frutto di una lunga esperienza d’insegnamento, i due volumi, in una nuova edizione riveduta e aggiornata, nascono alla luce del Nuovo Ordinamento dei Conservatori per mettere a fuoco nel modo più chiaro possibile i contributi dei singoli musicisti all’evoluzione stilistica. Utilizzabile sia come parte generale che come base per approfondimenti monografici, a seconda delle finalità didattiche dei diversi corsi o delle esigenze dei docenti, il testo può essere proposto, oltre che per i Conservatori, anche per i diversi tipi di scuole superiori e per le università.
Frutto di una lunga esperienza d’insegnamento, i due volumi, in una nuova edizione riveduta e aggiornata, nascono alla luce del Nuovo Ordinamento dei Conservatori per mettere a fuoco nel modo più chiaro possibile i contributi dei singoli musicisti all’evoluzione stilistica. Utilizzabile sia come parte generale che come base per approfondimenti monografici, a seconda delle finalità didattiche dei diversi corsi o delle esigenze dei docenti, il testo può essere proposto, oltre che per i Conservatori, anche per i diversi tipi di scuole superiori e per le università.
Il manuale in quattro volumi, presenta le tecniche e i sistemi compositivi adottati dai compositori inquadrati nel contesto storico-sociale. Nella convinzione che la musica è stata creata dall’uomo per l’uomo, il testo si sforza di far comprendere anche quali siano stati i canali di trasmissione delle opere: come sono state tramandate, chi le ha prodotte, dove e per chi.
Si è cercato di mettere in luce, di volta in volta, le convenzioni compositive e le tendenze stilistiche dominanti che caratterizzano il linguaggio musicale dei compositori più rappresentativi. Si è offerto così un quadro ampio, chiaro e immediato della storia della musica, evitando schematismi e facendo riferimento agli studi più recenti e autorevoli della musicologia nazionale e straniera.
Il manuale in quattro volumi, presenta le tecniche e i sistemi compositivi adottati dai compositori inquadrati nel contesto storico-sociale. Nella convinzione che la musica è stata creata dall’uomo per l’uomo, il testo si sforza di far comprendere anche quali siano stati i canali di trasmissione delle opere: come sono state tramandate, chi le ha prodotte, dove e per chi.
Si è cercato di mettere in luce, di volta in volta, le convenzioni compositive e le tendenze stilistiche dominanti che caratterizzano il linguaggio musicale dei compositori più rappresentativi. Si è offerto così un quadro ampio, chiaro e immediato della storia della musica, evitando schematismi e facendo riferimento agli studi più recenti e autorevoli della musicologia nazionale e straniera.
Dedicato in particolare agli allievi di violino dei corsi medio e superiore, si divide in 3 parti:
Esercizi senza l’arco e con l’arco
Studio dei movimenti con esercizi mirati
Studio dei colpi d’arco
In appendice con i “brevi cenni sulla struttura e sul funzionamento del braccio” si sottolineano, nel modo più semplice, alcune preziose nozioni fisiologiche.
Basics può essere usato da esecutori di ogni livello. Tutti gli esercizi sono concepiti per raggiungere il massimo risultato nel minor tempo possibile, alcuni sperimentano un particolare aspetto della tecnica, altri sono esercizi di “riscaldamento”, ai quali si può ritornare regolarmente. Ha origine da una serie di articoli pubblicati dalla rivista “The Strad”, ed è la raccolta più vasta di materiale di studio di cui i violinisti oggi possano disporre.
La didattica pianistica è riuscita a farsi spazio nei secoli incoraggiando moltitudini di persone a percorrere la strada della musica; il valore sociale raggiunto dal pianoforte nel XIX e nel XX secolo è stato di uno spessore senza confronti: da strumento ignorato alla nascita a insostituibile mezzo di intrattenimento sociale nella borghesia liberale dell’Ottocento, ed incarnazione dell’estetica di tutti i musicisti romantici.
In questo volume si ripercorrono, sotto una nuova luce, i grandi compositori del passato, sia nel loro ruolo di insegnanti (testimoniato dai numerosi scritti dei loro allievi e delle personalità a loro contemporanee), sia per il grande contributo di composizioni didattiche (o nate a tale scopo) che essi hanno donato al mondo. Si vuole così mostrare come sia stato possibile tramandare l’arte dei suoni a partire dall’epoca classica per arrivare al Novecento storico e contemporaneo: testimonianza dell’impegno continuo e consequenziale di una didattica del pianoforte che vive e parla da tre secoli.
Raccolta antologica di celebri arie d’opera trascritte per pianoforte a sei mani. Pensata soprattutto per gli allievi di scuole medie a indirizzo musicale, conservatori e scuole musicali, permette di soddisfare le esigenze esecutive di insieme – anche ai fini di pubbliche performance – pur rimanendo all’interno del gruppo-classe o del gruppo di livello.
Corso elementare per l’abbrendimento delle basi della tecnica chitarristica di base attraverso l’introduzione ai rudimenti dello strumento e ad un’antologia di brani famosi semplificati.
Questo metodo/antologia mira ad ottimizzare con gradualità ed efficacia l’apprendimento della tecnica di base della chitarra classica. I tre volumi rendono possibile un percorso didattico differenziato a seconda del livello di partenza dell’allievo.
Volume 1 – con audio in download:
Brani monodici per la conoscenza delle note in prima posizione.
Un metodo per bambini del ciclo elementare che desiderano far musica accostando il gioco allo studio. Un materiale di studio semplice e progressivo, ricco di illustrazioni a colori e tavole da colorare.
Una chiara e semplice esposizione delle regole fondamentali per la pratica del canto costituisce la base di questo agile manuale diretto a tutti coloro che desiderano intraprenderne lo studio.
Come, quanto e perchè studiare. Una riflessione positiva sul proprio rapporto con lo strumento, per allontanare le frustrazioni e ottenere invece la massima gratificazione.
L’ambizione di quest’opera è quella di facilitare l’acquisizione integrale delle conoscenze richieste in un primo anno di formazione musicale mediante un approccio che privilegia una visione globale della musica.
Il testo è articolato in 22 lezioni, ognuna delle quali è costruita su una lettura cantata, scelta per le sue qualità tra i diversi generi musicali, e propone un lavoro sui vari aspetti della formazione musicale:
Lettura di note/ritmi
Memorizzazione melodica e ritmica
Improvvisazione/dettati/Teoria
Ogni lezione prevede, inoltre, un “lavoro pratico”, che ogni alunno dovrà svolgere autonomamente per potenziare le conoscenze acquisite.
A tredici anni dalla prima pubblicazione e a sei dalla III Edizione, nasce la IV Edizione di questo metodo che continua a essere utilizzato da tanti docenti e alunni.
La novità principale di questa revisione è nella sostituzione del CD con il Download delle basi. Pertanto docenti e alunni potranno scaricare le basi anche nei dispositivi mobili, per lavorare pure in classe. Inoltre sono state inserite le dinamiche in diversi Studi e migliorate alcune diteggiature.
Questo libro nasce dall’esigenza di pubblicare un metodo scritto e pensato per gli alunni di chitarra delle Scuole Medie ad Indirizzo Musicale ma molto adatto anche per gli studenti di secondo strumento del Liceo Musicale.
È un manuale, il più completo possibile, in linea con i programmi ministeriali e allo stesso tempo di facile consultazione. Obiettivi del metodo sono spiegare Teoria e Solfeggio nella maniera più divertente, facilitare la lettura e l’apprendimento dello strumento, divulgare i diversi generi musicali con attenzione ai nuovi linguaggi e favorire la conoscenza storica della chitarra e dei grandi chitarristi classici.
È corredato da 154 tracce mp3 ad alta frequenza, con basi ritmiche e ritmico-armoniche per la tecnica e quelle musicali per i brani.
Elenco basi:
5 basi percussive per la Lettura Ritmica (una per ogni tempo)
22 basi progressive di batteria (acustica ed elettronica) per gli Arpeggi
29 basi ritmico-armoniche per tutte le scale Diatoniche, Cromatiche e Blues
50 basi orchestrali per le Melodie e i Bassi (orchestra viennese campionata, di alta qualità)
45 basi musicali per le Melodie Famose, i Canti di Natale e la Musica D’insieme (arrangiamenti moderni e simpatici per il gusto degli alunni)
3 basi ritmiche per la Ritmica Accordale e i Giri Armonici
Vi sono molti allievi, e fra questi molti bambini, che non sanno nulla o molto poco di musica, e non sono neppure in grado di leggere le note. È principalmente per loro che Stephen F. Goodyear ha realizzato il Nuovo metodo per flauto dolce.
Il libro è accuratamente ordinato per grado di difficoltà, e così gli esercizi come le canzoni sono stati scelti in modo da introdurre ogni nuovo elemento con studiata gradualità. Il metodo non richiede la preventiva conoscenza di nozioni musicali.
Chiaro, semplice e graduale, con introduzione generale alla musica e una tavola completa delle diteggiature in appendice.
Uno strumento utile nella primissima fase dello studio del clarinetto, facilitato attraverso semplici visualizzazioni delle posizioni. Un percorso attento da subito all’efficacia didattica dell’invito alla creatività e al suonare insieme
Uno strumento davvero utile a tutti gli artisti, interpreti, performer di musical e professionisti della voce che vogliano imparare il linguaggio musicale moderno, allenare l’orecchio e ampliare le proprie conoscenze in modo efficace e immediato.
Pensato proprio in base alle esigenze di chi canta, il libro si concentra su vari esempi sia ritmici che melodici di diversi generi musicali moderni. Gli esercizi proposti sono accompagnati dalle tracce audio del CD che costituiscono un comodo e utile supporto di lavoro.
I più famosi brani natalizi da suonare al pianoforte o alla tastiera, a prima vista e… tutto d’un fiato! La facilità d’esecuzione di queste partiture potrà offrire stimoli concreti e immediati a coloro che da poco hanno cominciato a studiare il pianoforte o a chi in breve tempo e senza troppa fatica vuole ricreare alla tastiera delle magiche atmosfere natalizie.
Una nuova pubblicazione del Saint Louis College of Music. Una piccola grande novità sulla scena della didattica chitarristica mondiale, un trattato che approfondisce argomenti generalmente trascurati o mai affrontati nel campo dell’improvvisazione, come il contrappunto a due o tre voci, il basso albertino, la melodia accompagnata con accordi spezzati, lo studio dell’armonia parallela, la melodia armonica, la melodia contrappuntistica e l’utilizzo delle corde a vuoto.
Un tentativo di conciliare tecniche provenienti dalla tradizione della chitarra classica con l’improvvisazione jazzistica, proponendo una serie di meccanismi e di esempi che porteranno lo studente a sviluppare il proprio orecchio armonico e a padroneggiare tecniche di polifonia avanzata, scoprendo così quanto ancora il nostro amato strumento a corde ha da offrirci.
Da oggi, con questo manuale, costruire una chitarra acustica… è veramente alla portata di tutti! L’autore, sulla base di un personale metodo di costruzione “Fast Acoustic Guitar Build” che permetterà di semplificare il lavoro, aiuterà il lettore a costruire un prototipo di chitarra acustica.
Attraverso strade poco complesse, con strumentazione economica e facile da reperire in qualsiasi negozio, si impareranno nozioni importanti divertendosi e portando a termine l’obiettivo, con l’aiuto delle sequenze video esplicative e di piantine in scala 1:1da stampare e ricalcare, il tutto incluso nel DVD allegato.
Un libro che tratta argomenti, spesso molto complessi, con “sconcertante chiarezza”, per esempio la struttura di vari voicing, la loro scelta nelle diverse situazioni musicali, i riferimenti alle opere dei personaggi storici che si sono distinti per l’uso di queste strutture armoniche, i suggerimenti tecnici per memorizzare meglio certe sonorità eseguite con il pianoforte tramite la “memoria tattile” e quella “visiva”, in aggiunta ovviamente a quella uditiva.
Questo interessante percorso avviene nell’atmosfera sonora di tre brani: “Alice in Wonderland” di Fain e Hilliard, “You’re my Everything” di Warren e “Beatrice” di Rivers. Un libro illuminante sia per il principiante che per il musicista di livello più alto. Il primo potrà usufruire di una sequenza costruttiva degli argomenti e studiarli, il secondo avrà, oltre ad una riconferma della sua conoscenza, una spiegazione chiara degli argomenti inseriti in un contesto di grande respiro creativo.
Questo libro, a distanza di molti anni dalla sua prima pubblicazione, conserva intatta tutta la sua funzionalità, aiutando generazioni di studenti di pianoforte attraverso la pratica costante di tutti gli esercizi compresi nel testo.
Lo studio giornaliero aiuterà lo studente a conservare e sviluppare l’articolazione delle dita e a conoscere bene i vari tipi di scale, allenare il 4° e il 5° dito, che per natura sono più deboli delle altre, ed affinare la coordinazione tra le mani, incrementando la naturalezza esecutiva della mano debole.
Una guida pratica rivolta a chiunque voglia provare a scrivere la propria canzone. Nozioni base, trucchi, consigli, divertenti esercizi, alla scoperta della narrazione tra suoni e parole.
Cinque capitoli dedicati agli aspetti essenziali nella scrittura di una canzone: testo, struttura base di una canzone, accordi, melodia e ritmo. L’ordine è solo un suggerimento si può iniziare indifferentemente da uno qualsiasi, in base alla propria ispirazione, nel corso dell’opera si intrecciano tutti.
Per agevolare il lavoro, esercizi semplici e divertenti e alla fine di ogni capitolo una pagina vuota da utilizzare per appunti, riflessioni e svolgimento degli esercizi.
Nella collana Little Dictionary, dopo il successo di Chords Ukulele, arriva il fondamentale prontuario degli accordi per chitarra tascabile che include anche scale e arpeggi, indispensabile strumento di lavoro per tutti i chitarristi.
Il manuale di Ziegenrücker, in una nuova versione riveduta, aggiornata e ampliata (e adesso anche in un nuovo formato più grande che facilita la lettura), si segnala per la ricchezza tematica e per un approccio sistematico volto a guidare il lettore o l’insegnante in un percorso didattico esaustivo e lineare. Partendo dagli aspetti più elementari della musica, il libro fornisce una sintetica esposizione dei principi e delle nozioni fondamentali della teoria del ritmo, della melodia, dell’armonia e delle caratteristiche degli strumenti musicali, preoccupandosi di non lasciare mai lo studente nel dubbio: «Perché mai si farà così?».
La scelta degli argomenti si riferisce all’odierna pratica musicale, con particolare attenzione per i più svariati ambiti della musica dei nostri giorni.
L’aspetto visivo del manuale comprende esempi musicali, prospetti e schemi grafici di facile lettura.
L’autoverifica è resa possibile da questionari ed esercizi pratici posti alla fine di ciascun capitolo.
Il glossario, che funge anche da indice tematico, riporta la terminologia musicale corrente accompagnata da una breve spiegazione e dall’origine linguistica dei termini stranieri.
Spesso la Tecnica viene intesa esclusivamente come il riuscire a fare più note possibili… dimenticando di prestare attenzione all’intensità del suono, alle dinamiche, agli accenti, al timing e alle caratteristiche stilistiche che contraddistinguono i vari generi musicali.
Da uno dei più autorevoli nomi del basso italiano, un manuale sulla “tecnica espressiva”, sul suonare le stesse note in modo diverso: note corte e lunghe, glissati, salti di ottava, legature di espressione, lunghezza del suono e variazioni ritmiche.
Gli esercizi e i brani, arrangiati nei principali stili e con diverse varianti ritmiche e armoniche, sono disponibili in download nella doppia versione LISTEN e PLAY, consentendo al lettore di esplorare e sperimentare diversi grooves, aiutandolo ad ampliare la conoscenza dello strumento e la consapevolezza delle numerose soluzioni stilistiche a sua disposizione.
Infine, un’intera parte dedicata al setup del basso per imparare a regolare al meglio il proprio strumento.
Un manuale completo, un’analisi approfondita della chitarra blues, dal primo blues di Chicago, attraverso il blues di Memphis e Detroit, il boom del britannico, il jazz blues e molti altri generi correlati, sino allo stile blues dei chitarristi più importanti di oggi. Semplici guide graduali introducono le tecniche di base, l’armonia e la teoria, con soli d’esempio e basi disponibili per il download.
Per giovani principianti, con una progressione di difficoltà adeguata alle esigenze dei bambini, sia per lezioni individuali che collettive. Un metodo motivante, spiritoso, progressivo, ricco di foto e illustrazioni, testi esplicativi, melodie, duetti ed esercizi, suggerimenti per improvvisare e comporre. Tutti i fondamenti del suonare il flauto traverso nell’estensione tra il Re e il Do”.
Un metodo “magico”, tutto a colori, estremamente chiaro, graduale e divertente, dedicato ai principianti della chitarra. Con il simpatico mago Podatus, 70 brani fra cui un canzoniere di 13 grandi successi italiani e internazionali (per ognuno, linea melodica facilitata, testi e accordi in tonalità originale):
The House of the Rising Sun (The Animals)
Michelle (The Beatles)
Yesterday (The Beatles)
Un giorno credi (Edoardo Bennato)
Hallelujah (Leonard Cohen)
Attenti al lupo (Lucio Dalla)
Geordie (Fabrizio De Andrè)
La guerra di Piero (Fabrizio De Andrè)
Non è tempo per noi (Luciano Ligabue)
Gli anni (Max Pezzali)
Hanno ucciso l’uomo ragno (Max Pezzali)
Albachiara (Vasco Rossi)
Senza parole (Vasco Rossi).
In allegato il CD con esecuzioni e basi per oltre 3 ore di musica.
Il manuale di Menuhin sul violino, pubblicato originariamente nel 1971, è stato accolto come uno dei maggiori contributi allo studio dello strumento. Il volume, concepito per essere usato sia dagli insegnanti che dagli studenti, si compone di sei capitoli che portano il violinista dalle primissime basi della tecnica agli aspetti avanzati dell’uso dell’arco e della mano sinistra.
In ogni capitolo è fondamentale la presenza di una sequenza progressiva di esercizi concepita secondo uno schema di argomenti dipendenti l’uno dall’altro, con un’analisi descrittiva dei movimenti e delle sensazioni relative. Tutto ciò viene ulteriormente chiarificato attraverso molte illustrazioni che servono al principale scopo di Menuhin, vale a dire quello di concentrare l’attenzione sul più piccolo movimento – perfezionandolo – in modo tale da permettere al violinista il raggiungimento di un’autentica libertà di movimento e di quella maestria tecnica che costituiscono la meta di ogni violinista.
L’appendice, infine, fornisce utili suggerimenti sullo studio, sulla manutenzione dello strumento e dell’arco, oltre ad una valida serie di esercizi quotidiani.
Il libro, frutto di oltre 10 anni di ricerca e scritto in 4 lingue, raccoglie tutto ciò che della Semiografia Musicale, dopo decenni di uso (ed abuso), è attualmente rimasto e vale ancora la pena di essere usato e magari ulteriormente discusso.
Un excursus storico-stilistico che esalta e analizza il ruolo del violoncello all’interno dell’assetto orchestrale, descrivendone e ripercorrendone lo stile, le caratteristiche e le peculiarità attraverso i periodi storici ed i grandi compositori.
Una miniera di trucchi, esercizi e suggerimenti per ottimizzare il rendimento del coro e soprattutto per imparare a gestire le prove e l’apprendimento dei nuovi brani. Uno strumento indispensabile per conoscere tutto quello che si può e, soprattutto, che non si può fare con un coro.
Principali argomenti trattati: La Direzione – Le Prove – La Respirazione – Il Parlato – Il Canto – Confronti didattici
Trascrizione della “Misa Criolla”, opera musicale per solista, coro e orchestra, di natura religiosa e folclorica, composta dal musicista argentino Ariel Ramírez.
Il primo testo esistente finalizzato ad acquisire la conoscenza completa di tutti gli accordi in tutte le tonalità con notazioni in chiave di violino e di basso. Si rivolge ai musicisti di tutti gli strumenti, cantanti, studenti, insegnanti e professionisti che vogliono appropriarsi in modo pratico dell’armonia al pianoforte complementare e principale.
Una guida dedicata al copista di musica digitalizzata, che colma una forte lacuna particolarmente sentita nel campo dell’editoria musicale. Un lavoro frutto dei tanti anni di esperienza, studio e ricerca da parte dell’autore, che qui trasmette, in modo chiaro e completo, con risposte concise ma dettagliate e una particolare cura all’esemplificazione grafica e descrittiva, le proprie conoscenze. Un prezioso strumento per compositori, trascrittori, copisti ed editori, senza tralasciare l’importanza che una parte scritta secondo le migliori tradizioni dell’arte della notazione musicale può avere per gli esecutori.
Prosecuzione del livello base, con 30 studi progressivi, che includono la tecnica dei movimenti, dei rudimenti fondamentali e dei gruppi ritmici, le applicazioni musicali degli sviluppi tecnici e un innovativo sistema di sviluppo dei ritmi basato sui moderni counting systems.
Con 30 basi musicali minus-one per imparare a suonare le applicazioni musicali proposte nei vari generi musicali, accompagnati da musicisti esperti. Con video a inquadrature multiple. Con oltre 300 tra esercizi, ritmi e applicazioni musicali suonati dall’autore. Fra i vari estimatori del metodo, c’è anche Gavin Harrison, che dice: “Questo libro contiene uno studio dei ritmi molto comprensibile e rappresenta un percorso eccellente per qualsiasi batterista per la sua crescita nell’arte percussiva”.
Un’opera fondamentale che non può mancare negli scaffali di chi studia, pratica e compone musica oggi. Si tratta probabilmente a oggi del più riuscito sforzo di organizzare il linguaggio armonico modale, fornendo un metodo rigoroso e libertario allo stesso tempo, che seguito con attenzione può dare risultati eccellenti a musicisti con vari livelli di preparazione.
Ricco di esempi dalle convincenti sonorità, con passi propedeutici che portano il lettore a ottimi risultati, contestualizzati di volta in volta attraverso il collegamento a esempi tratti da opere pubblicate (anche dalla musica classica del primo Novecento). Nella sapiente traduzione di Roberto Spadoni la fondamentale opera di Miller diviene finalmente accessibile per svelare i molteplici universi dell’armonia modale.
Un manuale rivolto agli esecutori di strumento ad arco, sia professionisti che studenti, ma anche agli organologi e a tutti i musicisti e gli appassionati di musica.
L’autore accompagna il lettore all’interno della sua bottega, per scoprire i segreti dell’affascinante e poetico lavoro del liutaio. Le tante, esplicative e allo stesso tempo artistiche fotografie, che rendono questo libro un vero “oggetto d’arte”, fanno quasi “toccare con mano” i legni, gli oggetti, gli strumenti, fino a sentire l’odore delle colle e delle vernici, non più solo lettori ma partecipi silenziosi del misterioso lavoro artigianale di un grande maestro liutaio.
«Ogni lettore, se leggerà con attenzione fra le righe scoprirà l’intento profondo, il filo rosso che attraversa quest’opera: il voler donare, con umiltà e sincera modestia, il proprio sapere alle più giovani generazioni al fine di stimolare in loro riflessioni nuove e creative.» Graziano Beluffi.
Nuova edizione dell’antologia per pianoforte con alcune tra le migliori melodie della storia della musica pop italiana dagli anni ’60 fino ai giorni nostri. Lo scopo del lavoro è quello di avvicinare alla musica attraverso un percorso un po’ atipico ma sicuramente stimolante e di arricchire le competenze dei vari esecutori grazie ad un repertorio ricco di contenuti tecnico-pianistici.
Edizione italiana di “Beyond Bop Drumming”, il metodo di batteria scritto da John Riley che, dopo il successo de “L’Arte della Batteria Bop”, prosegue il suo percorso analitico-didattico analizzando lo stile di batteristi come Elvin Jones, Paul Motion, Ed Blackwell, Tony Williams, Jack DeJohnette e altri membri di band d’avanguardia del periodo post-bop (’60), grandi musicisti che hanno contribuito a cambiare il suono, la forma e la direzione della musica jazz, elevando il ruolo del batterista a quello di leader della sezione ritmica e di centro energetico della band.
“Oltre la Batteria Bop” sviluppa ed esplora le idee e le innovazioni di questo fertile contesto musicale, aiutando lo studente ad espandere la propria consapevolezza musicale attraverso esercizi mirati e brani-play along. Una raccolta di idee concrete e sperimentate che favoriscono lo sviluppo del batterista sviluppando temi importanti quali: broken-time, variazioni del Piatto Ride, studi uptempo, tempo implicito e modulazione metrica; fornendo, infine, solide basi ed esercizi stimolanti per lo sviluppo di idee solistiche originali e ben strutturate.
Il trattato si compone di una serie di argomenti concernenti importanti caratteristiche timbriche del suono, sia singolo che polifono. Gli argomenti trattati sono specificatamente inerenti alla disciplina dei suoni armonici, compresi quei fenomeni anomali che generano moltissime nuove risorse timbriche e comprendono esempi tecnici ed approfondimenti teorici.
Infine, attraverso elementi di analisi, di teoria e prassi esecutiva di alcuni tra i più importanti frammenti registrati dall’autore su CD e riportati come esempi, si comprenderà meglio il significato espressivo musicale dei multisuoni nell’arte della composizione contemporanea per clarinetto.
