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Fender Telecaster & Stratocaster racconta la storia delle due chitarre che hanno rivoluzionato la musica moderna. Dalla nascita della Telecaster, la prima solid-body prodotta in serie, fino all’iconica Stratocaster del 1954, l’autore Dave Hunter esplora il design, il suono e l’impatto di questi strumenti attraverso oltre 500 fotografie e i profili di più di 75 leggende della chitarra. Dal rock al jazz, dal country al punk, il libro celebra le Fender che hanno segnato generazioni di musicisti e trasformato per sempre il panorama musicale. Questa edizione di pregio, stampata a quattro colori su carta di alta qualità e rilegata in un’elegante copertina cartonata, è pensata per offrire un’esperienza visiva e tattile all’altezza del mito Fender. Un volume da collezione, perfetto anche come regalo per appassionati e musicisti.
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Questa edizione italiana di The Art of Partimento segue di tredici anni la pubblicazione originale per Oxford University Press e riflette la crescita esponenziale degli studi sul partimento. Questo libro esplora la tradizione storica del partimento come metodo formativo essenziale per i compositori tra Sette e Ottocento, mettendone in luce il ruolo pratico e la trasmissione non verbale delle competenze musicali. La nuova edizione corregge refusi, aggiorna ipotesi storiografiche e include scoperte recenti, come il manoscritto Ossietzky e le Regole di Francesco Mancini, che retrodatano l’origine del partimento a Napoli nel XVII secolo. Con un approccio teorico e pratico, il volume ambisce a rinnovare l’interesse per questa tradizione musicale nel suo luogo d’origine.
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Franco Battiato è stato uno dei grandi protagonisti dello spettacolo e della cultura italiana degli ultimi cinquant’anni, con una produzione artistica tanto sterminata quanto eterogenea: non solo infatti ha ampiamente spaziato nell’arte del suono, non legandosi mai in modo esclusivo a un singolo genere o a una singola forma, ma ha saputo prodursi anche nella pittura, nel cinema, in letteratura e in televisione. Fabrizio Basciano, musicologo e titolare della cattedra di Storia del jazz, delle musiche improvvisate e audiotattili al Conservatorio Statale di Musica di Catanzaro, indaga in questo volume il fenomeno Battiato con la perizia cronologica, documentale e analitica propria delle grandi biografie sui classici dell’arte e della musica, non accontentandosi di mettere in fila gli eventi ma esplorandoli quanto più possibile nei relativi contesti sociali, politici e culturali. Alle vicissitudini biografiche il presente volume affianca, affidandole per lo più a una nutrita serie di note online a cui il testo, nel suo scorrere, puntualmente rimanda, l’analisi delle opere, dalle cui trame emergono aspetti assolutamente inediti e di inequivocabile valore artistico e culturale.
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Clavicembalo. Storia e organologia di Riccardo Viagrande è un ampio studio dedicato alla storia e alla costruzione degli strumenti a tastiera a corde pizzicate – in primo luogo il clavicembalo, ma anche virginali, spinette e clavicordi. Il volume ripercorre l’evoluzione organologica e stilistica di questi strumenti dal XV al XIX secolo, attraverso le principali scuole nazionali (italiana, fiamminga, francese, tedesca, inglese e iberica), evidenziando differenze costruttive, materiali, proporzioni e caratteristiche sonore. Ampio spazio è dedicato alle dinastie di liutai e cembalari – dai Ruckers e Couchet nelle Fiandre ai Blanchet e Taskin in Francia, fino ai maestri italiani come Grimaldi, Giusti e Mietke – e all’evoluzione delle tipologie, dai primi eschiquier ai modelli settecenteschi. Pensato come strumento di consultazione e sintesi didattica per studenti di conservatorio e corsi di organologia, il libro unisce rigore storico e chiarezza espositiva, offrendo una panoramica completa su uno dei capitoli più affascinanti della storia della liuteria europea.
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Claudio Chieffo (1945-2007) può essere considerato tra i più significativi cantautori italiani, con oltre 110 canzoni e alcune migliaia di concerti realizzati nell’arco di circa quarant’anni di attività. Purtroppo la definizione di “cantautore religioso”, ne ha limitato la riconoscibilità, racchiudendo spesso la forza comunicativa e l’indiscutibile qualità artistica delle sue canzoni e ballate all’interno di un mondo di parrocchie e centri culturali.
Questo volume ripercorre la vastità dell’esperienza musicale di Chieffo, anche attraverso la ricostruzione del contesto storico, artistico, politico, culturale e religioso in cui l’autore forlivese si è mosso, dall’inizio degli anni ‘60 fino alla sua scomparsa. Decine e decine di interviste aiutano a comprendere lo sviluppo della sua produzione, il suo percorso umano, spirituale e culturale,
le influenze e le amicizie (da Luigi Giussani a Karol Woytila, da Bill Congdon a Francesco Ricci, da Giorgio Gaber a Francesco Guccini, da David Horowitz a Mark Harris), le collaborazioni musicali e gli interessi (il teatro, la fotografia, il cinema). Il tutto con l’obiettivo di restituire al cantautore di Forlì un posizionamento corretto all’interno del movimento artistico-cantautorale del nostro Paese.
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Come puoi incanalare il tuo potenziale per vivere una vita più creativa e appagante? In Becoming the Instrument, Kenny Werner, musicista e compositore jazz di fama mondiale, condivide con il pubblico le profonde intuizioni raggiunte per accedere al nostro io superiore. Attraverso aneddoti ed esercizi pratici, ci insegna come migliorare le nostre performance ma soprattutto come essere spontanei, impavidi e felici nella nostra quotidianità. Partendo dal discorso avviato in Effortless Mastery, con cui invita gli artisti a rivendicare il loro amore per la musica e a cercare il potere all’interno della loro stessa arte, in questo nuovo libro K. Werner fa un passo ulteriore, per insegnarci che la maestria non è né perfezione né virtuosismo, ma è il raggiungimento di qualcosa che è già dentro di noi. E non occorre essere un musicista per imparare questa lezione.
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Questo libro è il racconto di un percorso imprenditoriale, cristiano, umano, relazionale, di una persona che ha dato (ma è una storia che continua, non è l’archiviazione nostalgica di un passato glorioso) un contributo significativo alla storia della musica degli ultimi decenni. Lo ha fatto, come editore (Rugginenti Editore) e come discografico (Rusty Records), nei più svariati ambiti, da quello religioso a quello classico, dalla liturgia al cantautorato cristiano. Oggi molti cantano i canti di Sequeri, ascoltano le composizioni di Chailly, studiano sui testi di Surian, imparano a suonare col metodo Bastien, seguono i concerti dei Mnogaja Leta… ecco, dietro a tutto questo – e a molto, molto altro – c’è una persona che ci ha creduto, ci ha messo entusiasmo, passione, coraggio, capacità, e soprattutto Gioia. Quella vera, come dice spesso lui.
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Lo stile e la produzione compositiva di Rachmaninov, illustre compositore e pianista russo che raccolse grandissimi successi in cinquant’anni di vita artistica, sono ampiamente trattati in questa monografia che affronta il linguaggio eclettico e cosmopolita del musicista, tracciandone un chiaro percorso storico, indispensabile per comprenderne le principali caratteristiche.
L‘ampia trattazione storico–estetica fa sì che gli appassionati e gli studenti di musica in particolare, possano consultare questo testo come prezioso approfondimento che serva a comprendere musicalmente la nascita di una nuova epoca piena di innovazioni tecnico – compositive che sottolinearono l’evoluzione e lo sviluppo del primo Novecento.
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ENRICO CARUSO, NEL CENTENARIO DELLA MORTE (1921-2021)
Il 2 agosto 1921, il tenore partenopeo Enrico Caruso mancava a Sorrento, vittima di una peritonite secondaria fulminante, allora che era tornato al suo paese per trascorrervi la convalescenza. Dopo la sua scomparsa, continuò ad interessare il mondo operistico a tal punto che molti libri (principalmente biografie), articoli ed anche film gli furono dedicati. Così, lungi dall’essere stato dimenticato cento anni dopo la morte, Caruso è sempre vivo fra noi e questo omaggio ne è la prova. Il testo contiene contributi degli studiosi: Andrea Lanzola, Roberto Anadón Mamés, Maria Luisa Sánchez Carbone, Jean-Pierre Mouchon, Riccardo Vaccaro, Jack Belsom, Alessandra Bergagnini, Pippo Martelli e Pietro Sandro Beato.
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QUADERNI MUSICALI MARCHIGIANI N. 16, SCRITTI E RICERCHE PER GLI OTTANT’ANNI DI ELVIDIO SURIAN
a cura di Graziano Ballerini
Il 16° dei “Quaderni Musicali Marchigiani” esce eccezionalmente dal solco di una consolidata tradizione redazionale, poiché totalmente votato all’omaggio del musicologo Elvidio Surian che, a suo tempo, oltre alla fondazione dell’A.Ri.M., ha caldeggiato e visto la nascita della rivista. Gli scritti coprono un ampio ventaglio di argomenti, che va dai riferimenti alla persona e all’attività del Surian, a studi musicologici particolari. Ecco allora i sentiti auguri per l’ottantesimo compleanno, gli affettuosi ricordi e saluti, i riferimenti all’impegno da lui assunto con il RIPM, per non tacere della attenzione costante rivolta alla didattica. Questa miscellanea ospita inoltre articoli che spaziano dalla ricerca di storia locale, marchigiana in particolare, ad alcuni degli ambiti che hanno caratterizzato il variegato ed ampio panorama di studio del festeggiato.
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Il teatro d’opera è fatto di emozioni. Che passano da una bella messinscena, da una pregevole (e si spera rispettosa…) regìa, da un’attenta direzione. Ma soprattutto da belle voci. Il baritono Lorenzo Saccomani è stato una garanzia per gli spettacoli lirici di mezzo mondo in cinque decenni di carriera: una gran bella voce di schietta scuola italiana, una scrupolosa coscienza professionale, una sana passione per il suo pubblico, un correttissimo rapporto con i colleghi, un profondo rispetto per i compositori, Verdi in primis. Questo libro vuole rendere omaggio a lui e a questo suo modo di servire l’arte lirica.
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Italia patria del Melodramma? Certamente, ma non solo.
Qui si descrive l’evoluzione della musica strumentale italiana nel secondo Ottocento. Nel testo, frutto di una lunga ricerca, si indagano le cause della crisi di questo genere, la sua faticosa rinascita ed il complesso rapporto con l’opera lirica. Facendo ampio ricorso alle fonti documentarie d’epoca, questo saggio offre al lettore un quadro esauriente di una pagina poco conosciuta della storia musicale italiana.
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PROFILO DI STORIA DELLA MUSICA – EDIZIONE COMPATTA DEL MANUALE DI E. SURIAN
Include: STORIA DELLA POPULAR MUSIC E DEL JAZZ di Fabrizio Basciano
Questo volume è la versione in forma sintetica della storia musicale pubblicata nelle più recenti edizioni del Manuale di storia della musica di Elvidio Surian. Il nostro intento è di offrire un quadro di riferimento utile alla comprensione dei caratteri stilistici musicali dominanti adottati dai compositori ritenuti tra i più rappresentativi nelle diverse epoche storiche fino ai giorni nostri. Come per tutte le arti, risulta inoltre importante “capire” i canali di trasmissione delle opere, ossia in quale forma ci sono state tramandate, chi le ha prodotte ed eseguite, dove, e per chi, con riferimenti alla storia sociale, culturale e delle idee.
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NUOVA EDIZIONE VOLUME UNICO
Un libro che ha l’intento della sintesi divulgativa, senza rinunciare ad un articolato e minuzioso lavoro di indagine, nel tracciare una storia dell’opera “italiana” intesa non come una storia dell’opera in Italia, né come una storia dell’opera in italiano, perché in questo caso la trattazione avrebbe coinciso, almeno per i primi due secoli, con la storia dell’opera tout court. Gli autori hanno optato per una storia che tratta delle opere messe in musica da compositori nati e formatisi in Italia. Desiderando dunque delimitare l’ambito d’indagine secondo un unico criterio, ma volendo altresì evitare di enfatizzare un ruolo, quello del compositore, che solo da un certo momento in poi diventa centrale, per i primi due secoli si prendono in esame le varie componenti del teatro d’opera nel suo complesso, dedicando spazio anche alla trattatistica, al sistema produttivo, al dibattito teorico, alla vocalità, senza tralasciare la librettistica e inquadrando il tutto nel più ampio contesto storico, culturale e letterario; si tiene conto cioè del fatto che per quasi duecento anni la musica è solo una delle componenti dello spettacolo, e non necessariamente la più importante. Nel tracciare la storia dell’opera degli ultimi due secoli si è concentrata l’attenzione principalmente su due aspetti dell’indagine: in ambito musicale il valore delle singole partiture, con una descrizione minuta dell’evoluzione del linguaggio lirico, e in ambito storico illuminando i complicati rapporti esistenti tra mondo operistico e storia politico-sociale.
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Il presente volume nasce con un duplice intento: da una parte quello di offrire, allo studioso come all’amatore, una trattazione storica della popular music e del jazz non eminentemente nozionistica, dizionaristica o velleitariamente enciclopedica, opponendo a un approccio prettamente informativo la ricerca, l’indagine, l’analisi, l’esplorazione; dall’altra quello di fornire un utile supporto bibliografico a studenti e docenti di conservatori di musica e università.
La storia che qui si racconta viene dunque a realizzarsi, secondo le iniziali intenzioni editoriali, senza mai prescindere da approfondimenti di vario genere (musicali, estetici, economici, sociali, tecnologici, politici, antropologici, ecc.), in un ampio respiro che, a perfetta metà strada tra lo studio accademico e l’appassionata lettura, tenta così di restituire una visione d’insieme della musica più fruita del nostro tempo.
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Una storia della chitarra elettrica, dedicata a tutti i chitarristi, studenti, appassionati, ricercatori e concertisti. Una storia concisa, essenziale e precisa, ma al tempo stesso completa. Questo libro destinato al grande pubblico, traccia l’appassionante storia della chitarra elettrica dai primi decenni del XX secolo fino ai giorni nostri. Scritto da un eccezionale interprete della chitarra, il libro affronta la storia dello strumento da una moltitudine di punti di vista convergenti, rendendolo così piacevolmente singolare. L’autore riesce a combinare intuizione, ricerca accademica e una profonda conoscenza del mondo della musica con una consapevolezza unica della storia dello strumento, dei pickup, degli amplificatori e delle innovazioni tecniche di ogni genere. La bibliografia e la discografia consigliata completano questo entusiasmante viaggio, diventando al tempo stesso strumenti fondamentali per approfondire ulteriormente i concetti e per trasformare in musica l’evoluzione di questo magnifico strumento.
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23 lezioni e oltre 500 esempi per una formazione ai procedimenti di indagine del pensiero compositivo
(…) cominciamo forse a capire quanto l’Analisi, se vissuta come sorta di esegesi, come strumento di indagine del segno e di identificazione delle sue possibili implicite intenzioni, nella sua facoltà di creare connessioni che possono scaturire direttamente dalla nostra capacità di respirare con l’opera, non solo sia in grado di avvicinarci alle dinamiche del pensiero creativo ma possa forse lasciarsi finalmente alle spalle un suo datato e a volte noioso modo di motivare la propria esistenza esclusivamente nel riconoscere, definire, codificare e incasellare i gesti sonori in aride, rassicuranti, tipologie. E cogliamo forse nuove e più affascinanti potenzialità dell’Analisi che può essere pensata allora anche come strumento di illuminazione di un’ipotesi o come procedimento immaginifico in cui un’opera riflette visioni ed emanazioni del sé.
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a cura di Stefano A.E. Leoni
Il settimo centenario della morte di Dante Alighieri diventa un pretesto per riunire una serie di studiosi di respiro internazionale che propongono, nei loro saggi, letture interessanti quanto originali del tema “La musica e Dante”. Da puntuali analisi testuali a interpretazioni comparatistiche, da contestualizzazioni che mettono in campo storia delle idee, storia della scienza, letteratura, musicologia a proiezioni verso la contemporaneità del “suono” della Commedia superando l’ottica del volume accademico e proponendo un testo fruibile ma non scontato.
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Si può insegnare la musica a distanza?
È possibile impostare un bambino al pianoforte o impartire lezioni di violino da remoto? E cantare incoro? Per dare risposta a questi ed altri quesiti abbiamo raccolto le testimonianze di oltre mille tra insegnanti e studenti di musica, e le abbiamo corredate di approfondimenti di pedagogia e metodologia musicale, di musicoterapia, sull’insegnamento della storia della musica, sulla music e-learning e sulla legislazione scolastica per scuola, università e conservatori.
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L’autore si propone di fornire un panorama quanto più esauriente possibile delle opere che hanno riempito i teatri nel Novecento, soprattutto di quelle che, pur costituendone la maggioranza, non sono state più riprese dopo la morte dei loro autori. Protagonista di questo saggio è l’Opera, non tanto il singolo compositore; di essa si fornisce al lettore una guida all’ascolto in cui, oltre ad un’analisi della parte musicale, vengono delineate la sua genesi, la sua ricezione – attraverso recensioni della prima rappresentazione – e la sua fortuna con le riprese moderne. La trattazione è completata dagli indici dei nomi e delle opere – inseriti al fine di facilitarne la consultazione – nonché da una bibliografia essenziale, stimolo per ulteriori approfondimenti.
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Nuova edizione dell’ormai storico testo di Simeon, completata dagli aggiornamenti che coprono gli ultimi 25 anni di storia della musica nel cinema sino ai giorni nostri. Una guida pratica, ma anche un testo di lettura agevole e appassionante, per conoscere tutto di un genere che ha contribuito non solo alla storia del cinema, ma anche alla nascita di una nuova estetica musicale e di innovative soluzioni compositive.
Con 45 esempi musicali e 53 tabelle e illustrazioni, dopo un’introduzione sulla situazione degli studi in materia e le metodologie di ricerca, il libro espone le teorie e le estetiche della musica per il cinema, la televisione e il video in un secolo di storia.
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Un libro dedicato a Giulio Neri (1909-1958), l’ultimo autentico basso profondo del teatro lirico italiano. Purtroppo tanto successo ha avuto in vita quanto oblio gli ha riservato la storia. Questo libro, ricco di foto e documenti che testimoniano la carriera del cantante, è un contributo per ridare a Neri il posto che merita: nell’Olimpo dei Grandi della Lirica.
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Un libro appassionante che regala tanti suggerimenti e approfondimenti per l’esecuzione della musica di Mozart e dei suoi contemporanei viennesi. Lettura indispensabile per artisti e storici. Con uno speciale riferimento alle opere pianistiche del compositore. Un testo pubblicato originariamente nel 1957 e divenuto nel tempo un riferimento per studenti e studiosi della letteratura per tastiera e della musica di Mozart. Qui pubblicato, in edizione italiana, nell’ultima versione riveduta e aggiornata del 2010, che include l’ultimo mezzo secolo di studio e ricerca sulla musica di Mozart, affrontando elementi esecutivi e problemi che possono verificarsi nell’interpretazione delle opere del musicista austriaco su strumenti moderni. Con CD contenenti esempi di opere discusse (parti parlate in Inglese).
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Questo breve testo di Storia della musica vuole fornire competenze di base indispensabili agli studenti italiani e stranieri per affrontare corsi ed esami di Conservatorio. Il libro traccia una panoramica completa delle problematiche storiche legate alla musica, coniugando un linguaggio tecnico ad uno stile scorrevole. Si rivolge in particolare agli studenti cinesi, ai quali offre un glossario di termini musicali italiano-cinese e cinese-italiano.
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Un testo che sviluppa ampiamente i contenuti indicati dal Decreto Ministeriale 616/2017, nell’ambito dell’acquisizione dei 24 crediti necessari per accedere ai concorsi a cattedre nella scuola secondaria.
La didattica e la pedagogia musicale sono affrontate sotto l’aspetto storico, metodologico e legislativo: si citano i maggiori autori e le problematiche attuali, particolarmente cruciali nella nostra epoca segnata da grandi e rapide trasformazioni tecnologiche e sociali.
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Il volume ripercorre la vicenda biografica e compositiva di Alfredo Casella (1883-1947), musicista italiano di formazione francese, la cui attività suggerisce molti punti di contatto con il mondo letterario e artistico-figurativo. Casella conobbe i più celebri pittori di area simbolista e numerosi poeti e scrittori. Il suo esordio nella composizione, collocabile intorno ai primi anni del Novecento, avvenne nel suggestivo ambiente parigino e il libro ne esplora le complesse valenze extra-musicali, analizzando alcuni brani ancora poco noti.
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Documenti di pianismo è una collana di saggi monografici, che tratta brani pianistici con un approccio analitico musicologico. Nel primo volume le sonate di Schumann ispirano considerazioni struttural-antropologiche (lasonata come metafora di “viaggio” interiore). Con il brano di Liszt si tende ad una visione ermeneutica dei significati del mondo umanistico, contemporaneo al musicista, che informano la sua magistrale retorica compositiva. Infine con Debussy si svela un insolito mondo sonoro che mostra come i criteri psicofisici inerenti alla sua musica, codificati in suono, avrebbero aperto l’orizzonte a future generazioni. Il tutto corredato da numerosi e pertinenti esempi musicali.
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Questo libro vuole essere un mezzo per una presa di coscienza del ruolo e della funzione dell’artista (sia esso autore o interprete) e in generale del lavoratore dello spettacolo nel contesto socio-economico-giuridico italiano. È rivolto in particolare agli studenti universitari, delle Accademie e dei Conservatori di musica che affrontino nel loro percorso lo studio del diritto e della legislazione dello spettacolo.
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Questa Guida all’ascolto si sviluppa su due piani distinti: quello storico-narrativo e quello didattico. La parte storico-narrativa è la più avvincente ed è rivolta a tutti gli appassionati di musica. La parte didattica contiene invece brevi annotazioni destinate agli studenti e agli insegnanti di musica e quindi, teoricamente, è riservata agli “addetti ai lavori”.
Tuttavia sarà difficile, anche per semplici appassionati, resistere alla tentazione di “mettere il naso” nell’officina Lizard della Critica Polianalitica. E lì che si smontano, pezzo per pezzo, i grandi brani musicali, allo scopo di capirne i segreti e svelare una volta per tutte il complesso meccanismo con cui essi riescono a commuoverci fino alle lacrime oppure a riempirci il cuore, se non proprio il cuore, se non proprio di quella vera, di un eccelente surrogato della felicità.
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Nati a Milano ad appena cinque anni di distanza l’uno dall’altro, i fratelli Giuseppe (1695-1750) e Giovanni Battista Sammartini (1700-1701c.-1775) sembrano appartenere a due diverse epoche della storia della musica.
Giovanni Battista Sammartini è considerato oggi a giusto titolo come uno dei “padri” della sinfonia moderna e come il più significativo esponente di quella “scuola milanese” che, assai prima delle scuole di Mannheim e di Vienna, introdusse e divulgò in Europa il nuovo genere sinfonico. Il maggiore dei fratelli, Giuseppe, visse per lungo tempo in Inghilterra e fu a suo tempo assai più celebre come oboista che come compositore. Questo libro analizza la vita e le opere dei due musicisti milanesi, rivelando le strette implicazioni della loro produzione con le complesse vicende della musica europea contemporanea. Di Giuseppe Sammartini, in particolare, viene fornito per la prima volta un esauriente profili musicologico, con un approfondita analisi delle sue opere più importanti.
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Un’inedita e originale biografia, che precisa i vari aspetti di Mozart, correggendo inesattezze e luoghi comuni che si sono tramandati nel tempo.
Racconta con un linguaggio scorrevole, la vita del grande Musicista si concretizza in immagini vive come in un film, toccando aspetti pubblici e privati, che ci permettono di avere uno spaccato dell’ambiente musicale del tempo.
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“Cesare Augusto Tallone usava regalare ai propri clienti una copia di questo libro, che raccoglie in forma autobiografica le vicende personali sue e della sua straordinaria famiglia, come pure i passaggi successivi attraverso i quali si è giunti alla costruzione del primo grande pianoforte italiano.
Può sembrare strano che un uomo di genio riservato e discreto come Tallone distribuisse con tanta facilità i propri ricordi. La ragione, io credo, risiedeva nella sua straordinaria generosità; e nel desiderio innato di divulgare le sue intuizioni, nel nome di quell’ideale altissimo per cui ha sempre lottato: la creazione del suono italiano”
Dalla prefazione di Luciano Del Rio
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La Carmen di Bizet è probabilmente l’opera lirica più nota del reprtorio corrente, tuttavia la sua grande diffusione spesso ci impedisce di affrontarla con la profondità che merita. Questo studio esplora l’opera in diversi contesti, portando in superficie le discussioni stratificate nella storia a partire dall’ortodossia musicale che accolse il suo debutto fino ad arrivare all’analisi del tessuto socio-filosofico che nutre la trama, e alle numerose trasposizioni cinematografiche.
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Ulrich Kaiser affronta lo studio dei corali attingendo dal repertorio di H. Schütz e J. S. Bach e accompagnando il lettore in un affascinante percorso alla scoperta dei segreti compositivi, svelandone gli straordinari progetti architettonici e le più sottili implicazioni estetiche. Un’opera basilare, indispensabile per comprendere cosa accade quando si compone un corale in prospettiva storica, e unica, grazie al supporto didattico multimediale.
Il CD contiene:
- Un catalogo multimediale con tutti i salmi di Schütz, tutti i corali di Bach e tutti i Kantionalsätze di H. L. Hassier in formato midi, pdf e per il programma “Cappella 5”
- Il software musicale “Cappella 5” per Windows
- Oltre 300 esercizi redatti per l’apprendimento della composizione e l’analisi di corali.
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Un manuale di facile consultazione, che si rivolge a studenti e musicofili. Le diverse forme vengono illustrate attraverso l’analisi di 25 brani interamente riprodotti. L’efficacia didattica di questo libro consiste nell’aver corredato il testo musicale di simboli grafici e abbreviazioni che ne permettono un’analisi formale “visiva” e immediata. Ove occorre, segue un breve commento e una tabella del materiale tematico. Ogni capitolo è dotato di quadri riassuntivi.
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Heinrich Schenker, oggi conosciuto per il suo fondamentale contributo agli studi teoretici, fu anche raffinatissimo compositore, eccellente pianista e anche autore delle prime edizioni critiche “Urtext”, basate, cioè, su criteri rigorosamente filologici. Si comprende, quindi, come egli abbia avvertito il bisogno di estrinsecare questa sua natura di musicista a tutto campo in un volume che sintetizzasse le sue esperienze e desse loro uno sbocco pratico, o meglio, artistico.
Shenker sostiene che gran parte delle attuali esecuzioni sia basata sull’ottocentesco culto del virtuosismo, da cui risulta una eccessiva attenzione all’aspetto meccanico. Per contrastare questa tendenza egli rpopone delle metodiche specifiche atte a ricongiungere le intenzioni del compositore all’esecuzione musicale. L’autore ci mostra come gli esecutori possano trarre beneficio dalla comprensione delle leggi compositive e dimostra come un’interpretazione letterale delle indicazioni del compositore possa divenire fuorviante. Egli ci fornisce una vivace trattazione della tecnica pianistica e tocca numerosi argomenti, quali, per esempio, le arcate, che si dimostreranno di valora inestimabile per tutti gli strumentisti, e anche per i direttori d’orchestra.
Dopo la morte di Shenker il suo allievo Oswald Jonas ha preparato il testo per la pubblicazione e Heribert Esser, allievo di quest’ultimo, si è assunto il compito di editarlo.
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Quali note accentuare? E per quali motivi? Sono quesiti che interessano la prassi esecutiva di tutti i tempi. La constatazione che a tutt’oggi manchi un testo per la scuola musicale italiana che, oltre a porsi in termini di riflessione storica, si connoti come un vero e proprio manuale utile al musicista pratico, ha invogliato le autrici a condensare qui il frutto della loro esperienza esecutiva, musicologica e didattica.
Riflettendo sui concetti di ritmo e metro, arsi e tesi, si dimostra come l’individuazione dei “piedi metrici” consenta di fraseggiare e accentuare il discorso musicale guardando oltra la schematica divisione del rigo in battute. Vengono quindi approfonditi il rapporto tra espressione musicale e verbale; il conflitto tra battuta musicale, metro, ritmo; la connessione tra fraseggio e metrica classica.
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Il libro di Dolmetsch affronta le principali tematiche connesse all’interpretazione della musica antica in modo quanto mai esplicito ed esauriente. Ogni argomento è discusso facendo diretto riferimento agli antichi trattati. Individuare esattamente come i compositori del Sei-Settecento desideravano fosse eseguita la loro musica procura la duplice sensazione di rallegrarci della nostra scoperta e di superare alcune approssimative indicazioi generali cui facciamo spesso riferimento. L’autore ricapitola le linee guida riportate dai testi originali con la maggior fedeltà possibile.
I trattatisti da lui citati sono annoverati tra i più importanti e la loro etereogeneità geografica e temporale permette di affrontare un excursus estremamente vasto. Gli argomenti trattati – espressione, tempo, alterazioni convenzionali del ritmo, ornamentazione, basso continuo, posizione e diteggiatura, strumenti musicali – sono poi chiariti attraverso centinaia di esempi musicali. Dolmetsch offre una visione vivace dell’approccio interpretativo, rifuggendo dalla sterile catalogazione e spingendo il musicista e lo studioso a una continua ricerca.
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Vita, arte e pensieri di uno dei massimi esponenti del panorama musicale del nostro Paese. Trovajoli racconta è una porta aperta sulle vicende di un pianista e compositore nato nel jazz, formato alla scuola classica, capace come pochi di unire questi due mondi.
Incontri, eventi, amicizie, esperienze artistiche trasversali si dipanano lungo i diciotto capitoli raccolti in presa diretta dalla penna di Alfredo Gasponi. Il tono pacato della conversazione, i pensieri autografi a fine volume, la piccola raccolta fotografica restituiscono il ritratto fedele di un artista e, per suo tramite, di un’epoca irripetibile della storia del cinema e del teatro, della musica e del costume italiano.
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Un ritratto del tenore più celebre della seconda metà dell’Ottocento, frutto di indagini e analisi di documenti, in gran parte inediti. Una biografia dell’artista e una dettagliata analisi del suo repertorio e dei rapporti con lo sviluppo del melodramma di fine Ottocento. In appendice, i rarissimi spartiti del primo e utlimo pezzo della sua carriera.
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C’è una musica adatta per la distensione, l’attivazione, la meraviglia, smettere di fumare e ricominciare a mangiare, migliorare la riuscita in matematica e far crescere i capelli? L’autrice nega decisamente questa possibilità: non esiste una paacea musicale se intesa come Chopin, Debussy o Sakamoto. La sua esperienza di musicista, studiosa ed amante della musica, le suggerisce tuttavia che certi stili, certe scelte musicali, formali, timbriche e strutturali messe in relazione con le esperienze di vita degli ascoltatori danno risultati di un certo interesse dal punto di vista della modificazione del proprio modo di sentirsi e quindi del proprio comportamento.
I rapporti musica-psiche, tempo oggettivo/tempo percepito e la relativa possibile modificazione del secondo grazie all’intuizione di un tempo oggettivo musicale offrono spunti di riflessione supportati da studi autorevoli, nonchè nozioni e suggerimenti pratici essenziali per operare una scelta cosciente e ragionata del materiale sonoro il più possibile calzante con il soggetto preso nella sua autenticità.
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La musica è un fatto culturale, certo, ma oggi anche una straordinaria opportunità di lavoro che può dare grandi soddisfazioni, anche economiche. Le regole del “mondo della musica” sono però un po’ più complicate di quanto si pensi, e talvolta sembra difficile districarsi tra suoni oscuri (SIAE, SCF, IMAIE, ENPALS).
Questo libro è una guida che prende per mano un esordiente e lo conduce a visitare una per una tutte le “stanze del mistero”, facendo di un dilettante un professionista del settore. Ma è anche una raccolta di domande, e di risposte, per soddisfare la curiosità o la necessità di chiunque viva per la musica, con la musica.
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Nel 1859, rielaborando una serie di articoli apparsi sull’Armonia di Firenze, Abramo Basevi diede alla luce quella che doveva restare l’unica opera analitica dell’Ottocento dedicata alle opere di Verdi (fino all’Aroldo). Il volume, passato all’epoca quasi inosservato, ha acquistato importanza in tempi recenti soprattutto ad opera della musicologia di scuola anglosassone. È diventato il punto di riferimento per tutti quegli studiosi che vogliano esaminare le opere di Verdi alla luce del pensiero dell’epoca.
Basevi, autentico pioniere, non si limitò ad utilizzare la terminologia d’uso corrente, ma cercò di gettare le basi per un approccio analitico di tipi descrittivo il più possibile rigoroso e completo. Ne è scaturito un saggio che, ancora oggi mantiene intatto tutto il suo fascino e permette anche al semplice appassionato di penetrare nel mondo operistico verdiano con il sapore dell’approccio storiografico.
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Rivolto anzitutto agli studenti di composizione, canto e musicologia, questo libro vuole fornire gli strumenti tecnici e di conoscenza di un testo poetico, anche nella prospettiva di un eventuale rapporto con la musica.
I tre glossari (di metrica, prosodia e linguistica; delle principali figure retoriche poetiche e musicali; delle principali forme poetiche e poetico-musicali) hanno scopi non soltanto informativi, ma anche di sistemazione e di riproposta. Il terzo glossario in particolare è stato redatto in un’ottica di stretto rapporto con la musica, in ambito italiano, con qualche sconfinamento el Lied e nella poesia latina medievale.
La seconda edizione, riveduta e ampliata, è arricchita in Appendice da un saggio sul madrigale Ecco mormorar l’onde di Monteverdi.
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Frutto di una lunga esperienza d’insegnamento, i due volumi, in una nuova edizione riveduta e aggiornata, nascono alla luce del Nuovo Ordinamento dei Conservatori per mettere a fuoco nel modo più chiaro possibile i contributi dei singoli musicisti all’evoluzione stilistica. Utilizzabile sia come parte generale che come base per approfondimenti monografici, a seconda delle finalità didattiche dei diversi corsi o delle esigenze dei docenti, il testo può essere proposto, oltre che per i Conservatori, anche per i diversi tipi di scuole superiori e per le università.
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Frutto di una lunga esperienza d’insegnamento, i due volumi, in una nuova edizione riveduta e aggiornata, nascono alla luce del Nuovo Ordinamento dei Conservatori per mettere a fuoco nel modo più chiaro possibile i contributi dei singoli musicisti all’evoluzione stilistica. Utilizzabile sia come parte generale che come base per approfondimenti monografici, a seconda delle finalità didattiche dei diversi corsi o delle esigenze dei docenti, il testo può essere proposto, oltre che per i Conservatori, anche per i diversi tipi di scuole superiori e per le università.
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Il manuale in quattro volumi, presenta le tecniche e i sistemi compositivi adottati dai compositori inquadrati nel contesto storico-sociale. Nella convinzione che la musica è stata creata dall’uomo per l’uomo, il testo si sforza di far comprendere anche quali siano stati i canali di trasmissione delle opere: come sono state tramandate, chi le ha prodotte, dove e per chi.
Si è cercato di mettere in luce, di volta in volta, le convenzioni compositive e le tendenze stilistiche dominanti che caratterizzano il linguaggio musicale dei compositori più rappresentativi. Si è offerto così un quadro ampio, chiaro e immediato della storia della musica, evitando schematismi e facendo riferimento agli studi più recenti e autorevoli della musicologia nazionale e straniera.
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Il manuale in quattro volumi, presenta le tecniche e i sistemi compositivi adottati dai compositori inquadrati nel contesto storico-sociale. Nella convinzione che la musica è stata creata dall’uomo per l’uomo, il testo si sforza di far comprendere anche quali siano stati i canali di trasmissione delle opere: come sono state tramandate, chi le ha prodotte, dove e per chi.
Si è cercato di mettere in luce, di volta in volta, le convenzioni compositive e le tendenze stilistiche dominanti che caratterizzano il linguaggio musicale dei compositori più rappresentativi. Si è offerto così un quadro ampio, chiaro e immediato della storia della musica, evitando schematismi e facendo riferimento agli studi più recenti e autorevoli della musicologia nazionale e straniera.
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Vita e carriera di Carlo Pietro Tagliabue, grandissimo baritono da sempre ritenuto fra i massimi interpreti del repertorio verdiano. Una biografia minuziosa, dettagliata e appassionata che raccoglie aneddoti, recensioni, registrazioni, fotografie e il catalogo esaustivo delle incisioni discografiche di uno dei massimi protagonisti della scena lirica italiana del Novecento.
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La vita, la genialità, il dolore, la ricerca e la straordinaria figura umana del grandissimo musicista Franco Ferrara, visti attraverso gli occhi di uno dei suoi allievi più vicini e devoti, Roberto Liso.
Nato a Palermo il 4 luglio 1911, Ferrara – violinista, pianista, organista e compositore – cominciò l’attività di direttore d’orchestra nel 1937 col grande complesso del Teatro Comunale di Firenze, e rapidamente assurse ad una fama internazionale che ben presto lo fece considerare il più grande direttore della sua generazione nel mondo. Dopo le terribili vicende belliche, nel 1948 una grave malattia nervosa lo costrinse ad allontanarsi dal podio; si dedicò quindi alla composizione e/o alla direzione di commenti musicali cinematografici nonché successivamente all’insegnamento della direzione d’orchestra in ogni parte del globo, all’insegna d’un prestigio artistico veramente unico.
All’interno del CD audio in allegato sono contenute le direzioni di Franco Ferrara di:
- Ottava Sinfonia di Beethoven
- Una notte sul monte calvo di Mussorgskij
- Mormorìo della foresta da “Siegfried” di Wagner
- Ouverture da “La forza del destino” di Verdi
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Il manuale in quattro volumi, presenta le tecniche e i sistemi compositivi adottati dai compositori inquadrati nel contesto storico-sociale. Nella convinzione che la musica è stata creata dall’uomo per l’uomo, il testo si sforza di far comprendere anche quali siano stati i canali di trasmissione delle opere: come sono state tramandate, chi le ha prodotte, dove e per chi.
Si è cercato di mettere in luce, di volta in volta, le convenzioni compositive e le tendenze stilistiche dominanti che caratterizzano il linguaggio musicale dei compositori più rappresentativi. Si è offerto così un quadro ampio, chiaro e immediato della storia della musica, evitando schematismi e facendo riferimento agli studi più recenti e autorevoli della musicologia nazionale e straniera.
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Il manuale in quattro volumi, presenta le tecniche e i sistemi compositivi adottati dai compositori inquadrati nel contesto storico-sociale. Nella convinzione che la musica è stata creata dall’uomo per l’uomo, il testo si sforza di far comprendere anche quali siano stati i canali di trasmissione delle opere: come sono state tramandate, chi le ha prodotte, dove e per chi.
Si è cercato di mettere in luce, di volta in volta, le convenzioni compositive e le tendenze stilistiche dominanti che caratterizzano il linguaggio musicale dei compositori più rappresentativi. Si è offerto così un quadro ampio, chiaro e immediato della storia della musica, evitando schematismi e facendo riferimento agli studi più recenti e autorevoli della musicologia nazionale e straniera.
