Le triadi sono tra le strutture più semplici del linguaggio musicale, ma anche tra le più ricche di possibilità. Questo volume propone un percorso progressivo per trasformarle in uno strumento concreto di conoscenza della tastiera, dell’armonia e della melodia.
Dalla scala maggiore e dagli intervalli si passa alle triadi maggiori, minori, diminuite e aumentate, affrontate attraverso rivolti, set di corde, disposizioni a parti strette e late, approcci orizzontali e verticali. Il voice leading, gli studi diatonici, le sovrapposizioni e le triad pairs ampliano progressivamente il lavoro verso forme sempre più consapevoli di accompagnamento, fraseggio e improvvisazione. Attraverso il sistema CAGED, teoria, ascolto e visualizzazione sulla chitarra vengono messi costantemente in relazione, con l’obiettivo di superare la semplice memorizzazione delle diteggiature e sviluppare una vera comprensione della tastiera.
Un metodo rivolto al chitarrista che vuole organizzare e approfondire le proprie conoscenze, ma anche un prezioso strumento per l’insegnante, grazie a un percorso ordinato, progressivo e immediatamente applicabile alla didattica.
Dalla forma alla comprensione. Dalla comprensione alla musica.
La forma sonata è il principio organizzativo che si incontra più frequentemente nelle opere dei grandi maestri della musica classica, da Haydn, Mozart e Beethoven a Schubert, Brahms e oltre. Sonata Theory, l’approccio analitico sviluppato da James Hepokoski e Warren Darcy nel pluripremiato Elements of Sonata Theory (2006), si è affermata come uno dei modelli teorici più influenti per la comprensione di questa struttura musicale. Che cosa può insegnarci questo metodo della «nuova Formenlehre» sul modo in cui questi compositori hanno costruito alcune delle loro opere più celebri e sulle finalità espressive delle loro scelte?
In questa nuova guida a Sonata Theory, Hepokoski introduce il lettore, passo dopo passo, alle idee fondamentali di questo approccio. Al centro del volume si trovano analisi approfondite di otto singoli movimenti — dalla Sonata per pianoforte in Si bemolle maggiore K. 333 di Mozart a opere strutturalmente complesse come il Quartetto per archi La morte e la fanciulla di Schubert e il Finale della Prima Sinfonia di Brahms — che mostrano concretamente questo metodo analitico all’opera. A queste analisi si affiancano quattro discussioni aggiornate dei concetti fondamentali della teoria, tra cui la forma dialogica, le zone d’azione dell’Esposizione, i percorsi verso cadenze normative rispetto al genere, la teoria delle rotazioni e i cinque tipi di sonata. Grazie alla ricchezza degli esempi e al confronto approfondito con i più recenti sviluppi della teoria della forma, della teoria degli schemi e della ricerca cognitiva, questa guida aggiorna e sviluppa ulteriormente Sonata Theory, confermandone il ruolo di prospettiva fondamentale per l’analisi della forma sonata.
Percussive Acoustic Guitar di Chris Woods propone un percorso completo per trasformare la chitarra acustica in uno
strumento dalle possibilità ritmiche e sonore sorprendenti. Attraverso spiegazioni progressive, esercizi, studi e brani
completi, il metodo affronta tecniche come string slapping, body percussion, tapping e armonici, insieme all’impiego
di accordature alternative. Gli esempi, presentati in notazione tradizionale e tablatura, sono accompagnati da video in
alta definizione nei quali l’autore illustra e approfondisce le tecniche trattate. Un metodo pratico e progressivo, adatto
a chitarristi di diversi generi musicali, per integrare elementi melodici, armonici e percussivi e ampliare radicalmente
le possibilità espressive della chitarra acustica.
Practice di Simon Fischer raccoglie 250 strategie di studio per violino, pensate per affrontare efficacemente i problemi tecnici e musicali dello studio quotidiano e del repertorio. Più che una successione di esercizi, il volume insegna a individuare le cause delle difficoltà, isolare i problemi e scegliere la strategia più adatta per risolverli. Il percorso affronta passaggi veloci, qualità del suono, colpi e distribuzione dell’arco, tecnica della mano sinistra, cambi di posizione, intonazione, rilassamento, ritmo, memoria e studio mentale. Oltre 750 esempi musicali, tratti da più di 100 brani, mostrano l’applicazione concreta delle strategie. Rivolto a studenti, professionisti e insegnanti, Practice offre una «cassetta degli attrezzi» per rendere lo studio più consapevole, creativo ed efficace.
Il Fonuttore di Stefano Lelli racconta il lavoro del fonico da due prospettive complementari, riunite in un originale volume double face. Da un lato, un percorso tecnico attraverso tutte le principali fasi della produzione musicale: preparazione della sala, scelta e posizionamento di strumenti e microfoni, preamplificazione, monitoring, tracking, editing, reamping, mix e preparazione al mastering. Dall’altro, l’esperienza maturata dall’autore in oltre vent’anni di studio diventa una riflessione sul mestiere, sul rapporto con gli artisti e sulla capacità di ascoltare, comunicare e prendere decisioni. Perché conoscere strumenti e tecnologie non basta: una registrazione nasce anche dalla fiducia, dalla sensibilità e dalla capacità di creare le condizioni nelle quali la musica possa esprimersi. Un manuale e insieme un racconto professionale, per comprendere non soltanto come lavora un fonico, ma cosa significa esserlo.
Impara a parlare! propone un percorso completo per l’uso professionale e consapevole della voce, rivolto ad attori, doppiatori, speaker e a chiunque utilizzi la comunicazione nel proprio lavoro. Dall’apparato fonatorio alla respirazione e alla postura, il volume affronta tecnica vocale, ortoepia e dizione italiana attraverso regole, esempi ed esercizi, per poi concentrarsi su intelligibilità, articolazione ed espressività. Frutto dell’esperienza di Gianni Gaude, Renato Novara e Lucia Valenti, il manuale integra spiegazioni accessibili ed esercizi pratici con letture per l’iperarticolazione ed esempi audio. Un percorso per coordinare respirazione, pronuncia, ritmo e qualità vocali, sviluppando una comunicazione chiara, naturale ed espressiva.
Archetipi contrappuntistici propone un nuovo approccio allo studio e all’insegnamento del contrappunto, fondato sull’individuazione di strutture melodico-contrappuntistiche ricorrenti che attraversano oltre cinque secoli di storia della musica. Muovendo dall’analisi di un vasto repertorio e dall’esperienza didattica dell’autore, il volume interpreta tali configurazioni come archetipi generativi, capaci di spiegare e produrre un’ampia varietà di costruzioni polifoniche. Lontano dall’essere un semplice repertorio di modelli, il metodo offre al compositore, all’interprete e allo studente uno strumento operativo per comprendere dall’interno la logica del pensiero contrappuntistico. Completano il volume numerose analisi storiche ed esercizi applicativi ispirati alla tradizione dei partimenti.
Il dialogo nel musical è azione, conflitto e costruzione del personaggio. Attraverso un approccio basato sul reverse engineering, il volume guida l’attore ad analizzare il testo per comprenderne la struttura profonda e le motivazioni dei personaggi. Obiettivi, azioni, ostacoli, relazioni e sottotesto diventano strumenti concreti per sviluppare un’interpretazione consapevole ed efficace. Le scene tratte dal repertorio del Musical Theatre, integrate da proposte musicali, offrono un laboratorio pratico in cui parola e musica dialogano in modo organico. Un metodo per trasformare l’intuizione in scelte sceniche chiare, motivate e coerenti.
Le basi del comping è una guida pratica all’accompagnamento jazz pianistico che, attraverso un percorso progressivo, conduce dalle fondamenta ritmiche fino ai linguaggi del bebop e dei voicing moderni. Il volume sviluppa il comping come pratica musicale, curando tempo, ritmo, armonia e interazione con i solisti. Ampio spazio è dedicato a tecniche come shell voicing, guide tones e soluzioni bebop, con esempi ispirati ai grandi pianisti jazz. Esercizi, trascrizioni e tracce audio permettono un’applicazione immediata dei contenuti. Pensato per pianisti di livello iniziale e intermedio, offre strumenti concreti per costruire un linguaggio personale.
Piano Jazz per Principianti nasce dall’esperienza didattica di Andrea Saffirio per rendere accessibile il linguaggio del jazz a chi si avvicina per la prima volta a questo repertorio. Attraverso un percorso graduale e pratico, il volume introduce accordi di settima, voicing, swing, ritmo e improvvisazione, privilegiando la comprensione musicale e lo sviluppo della creatività. Arricchito da esempi concreti, rappresenta un’introduzione chiara e moderna ai fondamenti del pianoforte jazz, ideale per autodidatti, studenti e pianisti provenienti da altri linguaggi musicali.
Questa raccolta di Studi rappresenta un valido strumento per lo studio della tecnica pianistica, pensato per accompagnare gli allievi in un percorso graduale, efficace, musicalmente piacevole e coinvolgente. Il volume si distingue per la varietà e l’originalità della scelta degli studi, accuratamente selezionati per offrire caratteristiche tecniche diversificate e stimolanti. Dalle cinque dita al passaggio del pollice, dagli arpeggi alle terze e alle seste, ogni brano consente di sviluppare competenze specifiche senza rinunciare al piacere dell’esecuzione musicale. L’ampia varietà di tonalità, comprendente sia modi maggiori sia minori, arricchisce ulteriormente il percorso formativo, mentre la tabella finale delle scale maggiori e minori completa il lavoro tecnico. Un testo equilibrato, che coniuga rigore didattico, espressività e bellezza del repertorio.
La Scuola del Violoncello di Justus Johann Friedrich Dotzauer è uno dei più autorevoli e longevi metodi della tradizione violoncellistica europea. Questa nuova edizione italiana, realizzata a partire dalla celebre revisione di Johannes Klingenberg, restituisce al pubblico contemporaneo un testo che ha contribuito alla formazione di generazioni di strumentisti. Arricchita da una nuova introduzione storico-critica e da una traduzione integrale dei materiali originali, l’edizione offre gli strumenti necessari per comprendere il contesto, le finalità pedagogiche e la fortuna di un’opera che occupa un posto centrale nella storia della didattica del violoncello. Un classico intramontabile, ancora oggi apprezzato per la chiarezza dell’impostazione, il rigore metodologico e l’efficacia del percorso formativo proposto.
Hammond Organ Complete di Dave Limina è una guida pratica all’esecuzione sull’organo Hammond e sugli strumenti a drawbar. Il volume introduce il funzionamento dello strumento e dei suoi controlli principali (drawbar, pedale d’espressione, Leslie), accompagnando il lettore nello sviluppo delle tecniche fondamentali. Attraverso esercizi progressivi affronta gli stili della tradizione organistica moderna – gospel, blues, jazz, funk e rock – e presenta strategie di accompagnamento, tecniche di pedale e gestione in tempo reale di registri ed effetti. Una sezione finale di repertorio consente di applicare le competenze acquisite. Pensato per studenti e tastieristi già esperti, il volume offre un percorso sistematico per comprendere il linguaggio dell’organo Hammond.
Nota del Traduttore: Il metodo Hammond Organ Complete non è rivolto esclusivamente a chi già utilizza l’organo Hammond, ma anche a tastieristi e pianisti che vogliono avvicinarsi a questo strumento. È quindi adatto sia a chi parte dal pianoforte sia a chi ha già esperienza su tastiere e desidera sviluppare uno stile più specifico legato all’Hammond. Per quanto riguarda il livello, non si tratta di un manuale riservato solo a musicisti avanzati. È pensato per chi possiede già alcune basi (teoria, armonia moderna, linguaggi jazz/popular), ma propone un percorso graduale che parte da elementi fondamentali e arriva progressivamente a contenuti più complessi.
Canti senza frontiere è una raccolta di 22 canti popolari provenienti da diverse culture, pensata per unire i bambini attraverso la musica. Questo progetto celebra la diversità culturale, promuovendo inclusione e curiosità. Ogni canto offre uno spaccato sulle tradizioni di una cultura, pur mantenendo la propria essenza originale, arricchita da varie influenze musicali globali. Le melodie e i testi stimolano la creatività dei bambini. Dalle melodie africane ai ritmi dell’America Latina, la raccolta invita all’esplorazione culturale, incoraggiando genitori ed educatori a coltivare un senso di appartenenza globale e amicizia tra i popoli. Questa raccolta di canti è ideale per le scuole primarie, per voci bianche in fase di sviluppo e percorsi di formazione musicale dedicati ai bambini.
Il bambino non è un “adulto in miniatura”: la sua voce è uno strumento unico, in continua evoluzione biologica e psicologica. Ma come funziona e come può un educatore guidarlo senza rischi, trasformando un gruppo eterogeneo in un coro armonioso? Il volume unisce il rigore dell’acustica e della fisiologia alla pratica della direzione corale. Con linguaggio chiaro l’autore introduce ai meccanismi della fonazione infantile (dall’assenza del legamento vocale alla gestione dei registri M1/M2) e offre risposte a domande frequenti: perché un bambino stona, come leggere uno spettrogramma in classe, quale repertorio scegliere per rispettare i tempi di maturazione della voce. Il testo propone inoltre strategie per l’educazione al respiro, l’alfabetizzazione emotiva e la gestione del coro come spazio di ascolto e collaborazione. Un volume rivolto a direttori di coro, insegnanti di musica e genitori attenti alla tutela della voce infantile.
Modern Rock Metal Guitar di Andrea Martongelli è un metodo dedicato allo sviluppo della tecnica della chitarra solista nel linguaggio rock e metal contemporaneo. Il volume propone un percorso didattico strutturato che integra teoria musicale, studio di scale e arpeggi e numerosi esempi applicativi. Attraverso esercizi progressivi e analisi didattiche curate da Alex Stornello, il lettore approfondisce tecniche fondamentali come alternate picking, legato, sweep picking, tapping e skip picking. Il metodo affronta inoltre l’utilizzo di diversi sistemi scalari e modali utili all’improvvisazione e alla costruzione del fraseggio. Pensato per chitarristi di diversi livelli, il libro unisce pratica strumentale e consapevolezza teorica per sviluppare uno stile personale nel contesto della chitarra rock-metal moderna.
Franco Battiato è stato uno dei grandi protagonisti dello spettacolo e della cultura italiana degli ultimi cinquant’anni, con una produzione artistica tanto sterminata quanto eterogenea: non solo infatti ha ampiamente spaziato nell’arte del suono, non legandosi mai in modo esclusivo a un singolo genere o a una singola forma, ma ha saputo prodursi anche nella pittura, nel cinema, in letteratura e in televisione. Fabrizio Basciano, musicologo e titolare della cattedra di Storia del jazz, delle musiche improvvisate e audiotattili al Conservatorio Statale di Musica di Catanzaro, indaga in questo volume il fenomeno Battiato con la perizia cronologica, documentale e analitica propria delle grandi biografie sui classici dell’arte e della musica, non accontentandosi di mettere in fila gli eventi ma esplorandoli quanto più possibile nei relativi contesti sociali, politici e culturali. Alle vicissitudini biografiche il presente volume affianca, affidandole per lo più a una nutrita serie di note online a cui il testo, nel suo scorrere, puntualmente rimanda, l’analisi delle opere, dalle cui trame emergono aspetti assolutamente inediti e di inequivocabile valore artistico e culturale.
Analizzare la forma classica di William E. Caplin è il manuale di riferimento per lo studio e l’insegnamento della forma musicale nel Classicismo viennese. Evoluzione didattica del celebre Classical Form, il volume presenta una teoria organica delle funzioni formali applicata alla musica di Haydn, Mozart e Beethoven, con un approccio chiaro, progressivo e ricco di esempi. Strutturato in tre parti – tipologie tematiche, forma-sonata e altre forme classiche -, integra analisi, esercizi pratici, “temi da completare” e risorse online audio e multimediali sviluppate presso la McGill University. La prefazione di Catello Gallotti inquadra l’opera nel contesto della moderna Formenlehre, evidenziandone la continuità con le teorie di Schoenberg e Ratz. Un testo fondamentale per studenti, docenti e studiosi di teoria e analisi musicale.
